6/8/09

Teoria del color

En el arte de la pintura, el diseño grafico, la fotografia, la imprenta y en la televisión, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento. La luz blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando pigmentos cian, magenta y amarillo se produce el color neutro.

Colores primarios.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores.

Colores secundarios.
Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja o anaranjado (S).

Colores intermedios.
Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I), que como su nombre indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. Otra característica de estos colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición, primero citando el color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso, rojo-anaranjado, azul-verdoso, azul-violeta, rojo-violeta y amarillo-anaranjado.

Colores terciarios
Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente: amarillo terciario (verde+naranja), rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta).
Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.

Colores cuaternarios.
Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario + amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario + azul terciario da un verde muy neutro (verde oliva) y rojo y azul terciario da un violeta neutro parecido al de la ciruela.

Colores fríos y cálidos.
Se denominan colores fríos a todos los que participan o en su composición interviene el azul y cálidos, a todos aquellos que "participan" del rojo o del amarillo.
Los colores cálidos (rojo, amarillo y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego... de ahí su calificación de "calientes".
Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, el hielo, la luz de la luna ...(el azul y los que con el participan.
Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado "Temperatura del color".

El tono:
Es el matiz del color, es decir el color en sí mismo, supone su cualidad cromática, es simplemente- un sinónimo de color. Es la cualidad que define la mezcla de un color con blanco y negro. Está relacionado con la longitud de onda de su radiación. Según su tonalidad se puede decir que un color es rojo, amarillo, verde...
Aquí podemos hacer una división entre:
- Tonos cálidos (rojo, amarillo y anaranjados): aquellos que asociamos con la luz solar, el fuego...
- Tonos fríos (azul y verde): Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, la luz de la luna...

Brillantez:
Tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color (la capacidad de reflejar el blanco), es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.

Saturación:
Está relacionada con la pureza cromática o falta de dilución con el blanco. Constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee.


30/5/09

ADAPTACION CURRICULAR PARA EDUCACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL

Objetivos:

A- Construir las “figuras geométricas simple”.
B- Construir un triángulo equilátero conocido el lado y un cuadrado conocida la diagonal.
C- Trabajar la estructura poligonal simple.
D- Trabajar el collage.
G- Obtener práctica en el manejo de los útiles e instrumentos más frecuentes en la asignatura de Plástica y visual. Cambiar los instrumentos por un programa de ordenador. (ACAD10, COREL etc.)

Actividades:

A- Construir las figuras geométricas: Mediatriz, bisectriz, dividir un segmento en partes iguales, triángulo equilátero, escaleno y cuadrado. (Podrá utilizar el ordenador.
B- Inventar una obra utilizando cuadrado y triángulos recortados. (Podrá utilizar el ordenador.

Conceptos:

A- Métodos de construcción de las figuras geométricas simples.
B-. Redes poligonales simples.
C- Como recortar y pegar.

Metodología:

A- Fundamentada en la ATENCIÓN A SU CREATIVIDAD Y SUS POSIBILIDADES CONSTRUCTIVAS
B- Atención individualizada en clase atendiendo a las horas lectivas semanales que corresponden a esta asignatura

Actitudes:
A- Conciencia de hábito y organización en el trabajo.
B- Conciencia del respeto a sus compañeros.

Criterios de Evaluación:
A- Saber construir las figuras mediatriz, bisectriz, dividir un segmento en partes iguales, triángulo equilátero, rectángulo y cuadrado.
B- Construir una obra creativa con polígonos simples (ordenado)
C- Responder al hábito y organización en el trabajo.


Objetivos:

A- Reconocer las simetrías axial y radial.
B- Expresarse con el código del dibujo.
C- Comprender el concepto de “RITMO PLÁSTICO”.

Actividades:

A- Construir ejemplos sencillos de simetrías. En este caso Benito podrá utilizar el ordenador para realizar el boceto, pero intentaremos utilizar las tijeras y el pegamento para poner en práctica la motricidad
B- Utilizar la línea, el punto y la mancha para hacer un dibujo expresivo. Podrá utiliza tizas gigantes, rotuladores gordos para realizar este trabajo a mano.
C- Construir texturas visuales y táctiles. Podrá utiliza tizas gigantes, rotuladores gordos para realizar este trabajo a mano.
D- Construir una figura tridimensional sencilla aplicando el concepto del ritmo plástico. Buscaremos, a través de la investigación el material mas adecuado para la realización de este trabajo, barro, trozos de madera etc.

Conceptos:

A- Métodos de construcción de simetrías.
B- Código del dibujo.
C- Ritmo plástico.
D- Como recortar y pegar.

Metodología:
A- Fundamentada en la ATENCIÓN A SU CREATIVIDAD Y SUS POSIBILIDADES CONSTRUCTIVAS
B- Atención individualizada en clase atendiendo a las horas lectivas semanales que corresponden a esta asignatura.


Actitudes:
A- Conciencia de hábito y organización en el trabajo.
B- Conciencia del respeto a sus compañeros.

Criterios de Evaluación:
A- Construir simetrías.
B- Construir texturas táctiles y visuales.
B- Construir una figura tridimensional.
C- Responder al hábito y organización en el trabajo.


Objetivos:

A- Utilizar el color como medio de expresión.
B- Reconocer texturas visuales y táctiles.
C- Obtener práctica en el manejo de los útiles e instrumentos más frecuentes en la asignatura de Plástica y visual.

Actividades:

A- Construir texturas visuales y táctiles.
B- Trabajar 4 armonías.
C- Construir un círculo de color.
D- Construir una figura tridimensional sencilla aplicando el concepto del ritmo plástico.

Conceptos:

A-. Definición y tipos de Texturas.
B- Teoría del color.
C- Como recortar y pegar.

Metodología:

A- Fundamentada en la ATENCIÓN A SU CREATIVIDAD Y SUS POSIBILIDADES CONSTRUCTIVAS
B- Atención individualizada en clase atendiendo a las horas lectivas semanales que corresponden a esta asignatura.

Actitudes:
A- Conciencia de hábito y organización en el trabajo.
B- Conciencia del respeto a sus compañeros.

Criterios de Evaluación:

A- Saber construir un círculo de colores de al menos 6 colores.
B- Saber construir al menos 4 armonías.
C- Responder al hábito y organización en el trabajo.

29/5/09

El Renaciento

  • INTRODUCCIÓN

  • Históricamente, el Renacimiento se originó en la era de los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas. El Renacimiento comenzó en Italia en el s.XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI. En este periodo, la fragmentaria sociedad feudal de la Edad Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual dominada por la iglesia, se transformó en una sociedad dominada progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música. El desmembramiento de la cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, la introducción de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura. Paralelamente a la revolución operada en el mundo de las ideas, surgió a principios del s.XV un renacimiento artístico en Italia (Renascita) de empuje extraordinario. El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar anatomía, técnica del claroscuro, leyes de perspectiva, los modelos de la antigüedad clásica, etc. Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, dominó distintas ramas del saber. Es curioso que mientras surgía en Florencia el Quattrocento o primer Renacimiento italiano (s.XV) gracias a la búsqueda de las bases científicas del arte, se produjera un fenómeno parecido y simultaneo en Flandes (especialmente en pintura), basado sólo en la observación directa de la vida y la naturaleza. Este Bajo Renacimiento tuvo gran repercusión en la Europa Oriental (el Kremlin fue obra de artistas italianos). La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento (s.XVI), se caracterizó por la hegemonía de Roma, y hasta el saco de la ciudad en 1527 los Papas decidieron en el mundo del arte (Julio II, León X, Clemente VII); con las guerras de Italia los artistas emigraron y propagaron los principios renacentistas por toda Europa Occidental. Durante la segunda mitad del s.XVI se inició ya la decadencia del Renacimiento, que cayó en un rígido formalismo, y tras el manierismo dejo paso al barroco.

    II. ARQUITECTURA

    Había dos tipos de edificios: religiosos (iglesias) y civiles (urbanos y laicos). Los principales elementos constructivos son:

    • SUSTENTANTES: arco de medio punto y columnas.

    • SUSTENTADOS: cúpula, bóveda de cañón y cubiertas planas con casetones.

    ELEMENTOS DECORATIVOS:

    Pilastras, frontones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, voluta, grutescos, guirnaldas y medallones.

    Desde un principio tuvo carácter profano, y, lógicamente, surgió en una ciudad en donde el gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.

    Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de ordenes, empleo de cúpulas e introducción del orden colosal. En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así como a cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento (o Cinquecento) es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), el alargamiento de la cúpula (catedral de Florencia, de Brunelleschi) y las fachadas de piedra tosca (Palacio Medici-Ricardi, de Michelozzo) o con los sillares en realce (Palacio Rucellai, de B. Rosellino, proyecto de Alberti). La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro Roma: en 1506 Bramante terminaba su célebre proyecto para la basílica de San Pedro del Vaticano. Los palacios se adornaron de valiosos bajos relieves (Palacio Grimani de Venecia, 1549, obra de San Micheli) o de esculturas exentas (biblioteca de San Marcos, 1537-50, Venecia, obra de Sansovino). Al comenzar la decadencia de la arquitectura del Cinquecento (Villa Medici, Roma, obra de Lippi; basílica de Vicenza, obra de Palladio) aparecen las primeras manifestaciones del Barroco en Roma: en el Palacio del Senado, en el que Miguel Ángel se valió del orden colosal, y en la iglesia del Gesù, obra de Vignola, que sería modelo de la iglesia barroca jesuítica. En España la influencia de la arquitectura renacentista italiana se dejó sentir a principios del s.XVI y dio origen al estilo llamado plateresco*, de grandes analogías con el lombardo del Quattrocento (Lorenzo Vázquez, Alonso de Covarrubias), pero en el último tercio de este siglo triunfó la reacción contra la exuberancia de la decoración plateresca, es decir, el estilo herreriano

    III. ESCULTURA

    La escultura renacentista se basó en la tradición de la antigüedad, especialmente en el período helénico y es predominante religiosa. Al igual que la arquitectura, la escultura renacentista nació en Florencia y manifestó igual tendencia profana. Una de sus manifestaciones más originales es la escultura en madera policromada. Son numerosos los retablos con escenas de la pasión de Cristo y los temas dedicados a la Virgen María. Los artistas están más preocupados por expresar los sentimientos que por buscar la armonía de las formas y pretenden sobre todo incitar a la devocación. Se caracteriza por las representaciones del cuerpo humano con un tratamiento perfecto de la anatomía. Se plasma el movimiento, intentando conseguir el equilibrio y la perfección. Los materiales con los que se moldean las figuras son el mármol, la madera, la terracota y el bronce. Buscó la expresividad y la perfección formal y dio muestras de gran penetración psicológica (San Juan Bautista de Donatello).

    Las características más destacadas de la escultura renacentista son:

    • Vuelta a las formas clásicas

    • Predominio del retrato y de los temas mitológicos, alegóricos y religiosos

    • Estudio del desnudo y de la anatomía

    • Materiales: mármol y bronce (madera, principalmente en España).

    Alonso Berruguete se formó en Italia y allí conoció a Donatello y Miguel Ángel. Su estilo dramático se caracteriza por el empleo de figuras huesudas y gesticulantes. Juan de Juni un francés de formación italiana que se instaló en Valladolid hacía 1533, supo expresar con gran sentido trágico la espiritualidad de sus contemporáneos en obras como el Santo Entierro de la catedral de Segovia (1571).

    IV. PINTURA

    Desde punto de vista formal, la influencia de los grandes maestros italianos del Renacimiento a los promotores del Manierismo son la base artística de las principales pinturas españolas de la segunda mitad del siglo XVI. El gran avance de la pintura renacentista se produjo con el florecimiento de la pintura flamenca y el descubrimiento de la técnica del óleo. El Renacimiento supuso el análisis en la representación de la naturaleza.

    Las características más importantes de la pintura renacentista son:

    • Búsqueda de la perspectiva

    • Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato

    • Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo

    • La composición centra el tema y distribuye los elementos técnicos: color, volumen y formas

    • La luz y los efectos de claroscuro culminan en el esfumato leonardesco

    • Gran atención a la expresión de las figuras y al estudio de la luz en sus cuadros

    • Como soportes de las obras se utilizan techos, paredes, tablas y lienzos

    En la pintura renacentista el pintor recrea la naturaleza y coloca al ser humano dentro de ella. La pintura de este primer período tuvo su más notable precursor en Giotto, que realzó en sus obras la importancia del espacio con una ambientación de paisajes a base de rocas, árboles, pájaros, etc. En Florencia, el arte de Giotto ejerció una gran influencia sobre sus contemporáneos y sucesores.

  • ARTES MENORES, OTRAS MANIFESTACIONES

  • CERÁMICA:

    Los centros cerámicos de mayor relieve fueron Urbino y Faenza, pero las piezas de mayor originalidad se debieron al francés Palissy. En orfebrería destacó en primer lugar Benvenuto Cellini.

    FILOSOFÍA:

    El Renacimiento fue un período filosófico eminentemente crítico en el cual se cuestionaron fundamentalmente las bases espirituales predominantes en la Edad Media, debido a varios factores, entre los que cabe destacar:

    • Una reinterpretación de la filosofía griega así como de otras tendencias

    • La disolución de la escolástica, de la que sólo subsisten secuelas del escotismo y del occamismo así como un movimiento bastante localizado en España de renovación, que coinciden con la contrarreforma.

    • La crítica sistemática de los métodos escolásticos del saber, especialmente del principio de autoridad y del modo de razonar (Vives). La crítica se extiende también a las formas de vivir, a las costumbres (Erasmo) e, inclusive, a la organización social y económica (Moro).

    • Un resurgir de ciertos campos del saber inhibidos por el estrecho racionalismo escolástico, tales como la magia y la alquimia

    LITERATURA:

    En reacción contra las bases morales y estéticas de la literatura medieval, el Renacimiento afirmó el culto de la belleza y exaltó las facultades humanas, la vida terrena y la naturaleza. No sin cierta complacencia paganizante, rehabilitó la mitología y el bucolismo pastoril, exponentes de un mundo natural evocado con nostalgia. La búsqueda de la belleza constituye principal objeto del artista, y quedan relegados de un segundo plano los propósitos didácticos característicos de la etapa anterior. El concepto moderno de la personalidad creadora penetra en la conciencia del escritor, quien afirma su autonomía por encima de la tradición, la doctrina y la regla. Surge así un ideal del hombre renacentista que aúna conocimientos intelectuales y artísticos y aptitudes para la acción.

    MÚSICA:

    El Renacimiento musical nació en el norte de Italia con numerosos maestros florentinos. Como primeras formas de la nueva música aparecieron la frottola, la ballata y la caccia. La frottola tiene carácter popular, pastoral o amatorio; la ballata es una canción para danzar, y la caccia es narrativa, generalmente con temas de caza adornados con gritos de vendedores ambulantes. El Renacimiento culminó con los tres grandes polifonistas:

    Orlando di Lasso, Palestrina y Victoria; cuya producción constituye un momento culminante en la historia de la música.


  • RENACIMIENTO EN ESPAÑA Y ANDALUCÍA.

  • Las relaciones políticas y bélicas con Italia fueron los factores principales de la penetración de las formas renacentistas en España.

    El mecenazgo en España estuvo encabezado por la corte de los Reyes Católicos y las grandes familias: los Mendoza, los Fonseca... El emperador Carlos V fue un gran promotor de obras artísticas.

    En España y Andalucía los períodos principales fueron:

    • Plateresco (primer cuarto del siglo XVI)

    • Purismo (1525-1560)

    • Herreriano (último tercio del siglo XVI)

    LA ARQUITECTURA ANDALUZA

    El Renacimiento en Andalucía fue una época de esplendor artístico. La abundancia de recursos económicos y las necesidades religiosas, surgidas tras la conquista de Granada, hicieron posible la construcción de iglesias, monasterios y palacios urbanos.

    Granada fue uno de los principales centros de la arquitectura renacentista. Los edificios más representativos son el palacio de Carlos V, situado en la misma Alhambra y diseñado por Pedro de Machado, y la catedral, de, Diego de Siloé.

    En Jaén, los centros más relevantes fueron las ciudades de Jaén, Úbeda y Baeza, siendo el arquitecto principal Andrés de Vandelvier. Él trazó las catredrales de Jaén y Baeza, así como la iglesia del Salvador en Úbeda, construida por Vandelvier pero diseñada por Siloé. En esta última ciudad destaca la construcción de palacios, como el de las Cadenas y el de los Cabos.

    En Sevilla se construyeron lujosos edificios, destacando la fachada del ayuntamiento y la sacristía mayor de la catedral, ambas obras de Diego de Riaño. Otros edificios singulares son la casa de Pilatos y el palacio de las Dueñas; en ellos se combinaron los azulejos y artesonados, de tradición musulmana, con los elementos renacentistas de estilo clásico.

    LA ESCULTURA Y LA PINTURA ANDALUZA

    La prosperidad económica de Andalucía atrajo a numerosos escultores europeos, que introdujeron los modelos renacentistas italianos. Las obras escultóricas más destacadas son los sepulcros de mármol de los Reyes Católicos, y Felipe el Hermoso, Fancelli, y el de Juana la Loca, de Bartolomé Ordóñez, ubicado en la Capilla Real de Granada.

    Los pintores andaluces más destacados fueron: Alejo Fernández, con su obra más conocida, la Virgen de los Navegantes; Pedro de Campaña, autor del Descendimiento, y Pedro de Machuca, con la Virgen del Sufragio. Estos pintores desarrollaron su actividad en Sevilla o Granada.

  • VOCABULARIO

  • Artesonado: Techo adornado con cuadrados o polígonos.

    Mecenas: Persona o institución poderosa que patrocina artistas y literatos.

    Antropocentrismo: Doctrina o teoría que supone que el hombre es el centro de todas las cosas, el fin absoluto de la naturaleza.

    Teocentrismo: Doctrina que considera a Dios como centro y fin de todo el pensamiento y actividad del hombre.

    Divulgación: Acción y efecto de hacer pública una cosa.

    Vernáculos: Propio del país del que se trata.

    Alquimista: El que profesaba la química de los antiguos, que pretendía hallar la materia primordial homogénea e indiferenciada, la transmutación de los metales, el disolvente universal y el elixir de vida.

    Mecenazgo: Protección económica dispensada a un escritor o artista.

    Alegóricos: Relativo a la representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras o atributos.

    Pléyade: Grupo de personas señaladas, que florecen por el mismo tiempo.

    Extraordinario: Fuera del orden o regla general o común.

    Enigmático: Que en se encierra o incluye enigma; de significación obscura y misteriosa.

    Manierismo: Forma del arte que se manifestó en Italia en el s. XVI, entre el Renacimiento y la época barroca, y que se caracterizó por su falta de naturalidad y su afectación.

    Humanismo: Movimiento intelectual desarrollado en Europa durante los s. XIV y XV que, rompiendo las tradiciones escolásticas medievales y exaltando en su totalidad las cualidades propias de la naturaleza humana, pretendía descubrir al hombre y dar un sentido racional a la vida tomando como maestros a los clásicos griegos y latinos, cuyas obras exhumó y estudió con entusiasmo.

    Dórico: Conjunto de dialectos pertenecientes al grupo occidental del griego común, hablados antiguamente en Dórida; como el laconio y el argivo.

    Jónico: Dialecto del griego común, hablado antiguamente en esta región.

    Perspectiva: Modo de representar los objetos en una superficie con la misma forma y disposición con la que aparecen en la realidad.

    Austeridad: Práctica de vida con rigidez y severidad.

    Esfumato: Rebajar los tonos de una composición, logrando cierto aspecto de vaguedad y lejanía.

    Action Painting

    INTRODUCCIÓN

    Si pensamos en Action Painting y sabemos un poco de inglés podremos decir que significa Pintura en Acción y deducir un poco sobre lo que se trata, pero llegar a la profundidad y al importantísimo significado emocional de esta corriente pictórica es imposible que lo hagamos. Es por esto que presentamos este trabajo, para mostrar esta corriente pictórica poco conocida, espontánea y abstracta.

    Este trabajo consta de dos partes: el trabajo escrito y el trabajo práctico, en los cuales mostraremos en qué consiste, el origen, los exponentes, y por supuesto hablaremos de Jackson Pollock, el mayor representante de este arte y el que le hizo mayores aportes.

    OBJETIVOS

    *

    Aprender acerca del Action Painting a través de lo teórico y lo práctico.
    *

    Conocer un arte poco usual, el Action Painting.
    *

    Conocer la vida y obra de Jackson Pollock, el mayor exponente del Action Painting.
    *

    Mostrar al curso obras famosas de exponentes de este movimiento
    *

    Hacer participar al curso en la realización de su propia obra y así unirlo en un mismo objetivo.
    *

    Realizar el trabajo práctico fuera de la sala escapando a lo tradicional.ACTION PAINTING

    El Action Painting significa en español “Pintura de Acción” y es una corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea y enérgica, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad. A veces se utiliza incorrectamente como sinónimo del propio expresionismo abstracto, aun cuando muchos de los artistas pertenecientes a esta escuela jamás emplearon dicha técnica.

    El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson. Sin embargo, la diferencia real entre ambos movimientos no es tanto la técnica como el planteamiento inicial: bajo la influencia de la psicología Freudiana, los realistas mantenían que el arte automático era capaz de desbloquear y sacar a la luz la mente inconsciente.

    En el artículo “The american Action Painters”(1952) en el que utilizaban por primera vez la expresión “Action Painting”, Rosenberg describía tal actitud en los siguientes términos “En un momento dado, un pintor estadounidense tras otro empezaron a contemplar el lienzo como un campo de juego en el que reproducir, rediseñar, analizar o expresar un objeto real o imaginario”.

    La estética del Action Painting ponía el énfasis en el propio acto de pintar, al margen de cualquier aspecto expresivo o representativo que pudiera poseer. Simplemente reflejaba un instante de la vida del artista, uno de sus actos y, por consiguiente, un elemento único de la biografía de éste. Era la expresión de la personalidad, de las emociones del creador de una manera muy primaria y básica. En el artículo “The American Action Painters” (ARTnews, diciembre 1952), en el que se utilizaba por primera vez la expresión Action Painting, Rosenberg describía tal actitud en los siguientes términos: “En un momento dado, un pintor estadounidense tras otro comenzaron a contemplar el lienzo como un campo de juego en el que actuar, más que un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o `expresar' un objeto, real o imaginario. Lo que había que plasmar en el lienzo no era una imagen sino un suceso”. Consecuentemente, tales obras se entendieron a menudo en términos muy formalistas como el mero resultado del encuentro entre un artista y sus materiales.

    Forzosamente, el Action Painting convirtió en redundantes ciertas prácticas artísticas tradicionales: por ejemplo, la idea de un boceto dejó de tener sentido ya que podría sugerir que el artista intentaba transferir una cierta imagen predeterminada a la obra final y definitiva.

    Este arte ejerció influencia sobre muchos artistas europeos, generando movimientos paralelos como el tachismo, practicado por artistas como el francés George Mathieu. El Action Painting también afectó a otros aspectos del arte moderno, principalmente a la idea de que una obra de arte debía exhibir claramente la impronta de su proceso creativo.

    Los principales representantes de este arte son: Arshile Gorky, Hans Hofmann, Robert Motherwell, Franz Kline, Willem de Kooning (que fue el único que esbozó figuras) y el mayor representante de todos: Jackson Pollock.

    Los principales materiales utilizados en este arte son: pinceles (no para utilizarlos en forma normal), tela, pintura, tarros, bombillas, en general todo lo que pueda crear un arte abstracto y espontáneo.

    Dripping

    Consiste en derramar pintura sobre una tela colocada en el suelo mediante un movimiento semiautomático sometido casi únicamente a las reglas del azar.

    Se utiliza un bote agujereado en cuyo interior se vierte la pintura.

    Estas pinturas expresan los sentimientos internos del artista.

    Esta técnica fue creada por Jackson Pollock.



    Marilyn Monroe, de William de Kooning

    JACKSON POLLOCK

    Action Painting

    Jackson Pollock, el creador y mayor representante del Action Painting, nació en Cody, Wyoming, Estados Unidos en 1912 y estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Estuvo varios años viajando por el país y dibujando. A finales 1930 y 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (proyecto de artes federales). Sus primeras obras, en el estilo más libre y abstracto, como en La Loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York)

    A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar colocada en el suelo, por medio de palos y cucharas, en lugar de los tradicionales pinceles. Mediante este método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa en los ejemplos Full fathom five y Lucifer (ambas de 1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York). También pertenece a esta época Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness (1953, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York).

    Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.

    Es importante destacar que el fue uno de los pintores que introdujo las más profundas cambios al arte de mediados de siglo

    En la siguiente obra de Pollock, Guardians of the Secret (Guardianes del Secreto) nos damos cuenta que en su arte en un comienzo, no utilizaba demasiado su técnica característica, el dripping . Actualmente esta obra se encuentra, como otras del autor, en el Museo de Arte Moderno, en San Francisco, Estados Unidos.



    15/5/09

    Actividad 1

    Mira con detenimiento el video de la teoría del color que tienes a continuación, si tienes comentarios o preguntas no dudes en hacerlas tanto en clase como en el blog. A continuación realiza un dibujo teniendo en cuenta lo que has aprendido en el video en esta página: http://www.cerotec.net/aplicaciones/pizarra/. Puedes encontrar el link en el lateral derecho, en Actividad 1, cuando este terminado guárdalo con tu nombre y grupo imprímelo y traerlo a clase para evaluarlo.

    14/5/09

    La teoria del color

    En este video podemos ver una sencilla explicación de la teoria del color.

    25/4/09

    Historia del arte (video)

    Este video nos muestra en imagenes un recorrido por las principales obras de arte de la historia.

    Este blog esta destinado a los docentes para compartir e intercambiar experiencias y materiales en todo lo referido a la EPV, Arte, Fotografía etc.

    El aprendizaje del arte y de la cultura en las escuelas e institutos constituye una de las estrategias más poderosas para la construcción de una sociedad equilibrada donde el respeto y la educación sean pilares fundamentales. La presencia del arte en la educación, a través de la educación artística y a través de la educación por el arte, contribuye al desarrollo integral y pleno de los niños y de los jóvenes, en unos valores fundamentales que en sociedad actual se están perdiendo y tenemos que recuperar.

    Este blog quiere contribuir al desarrollo de la asignatura de EPV y de otras modalidades artísticas favoreciendo el intercambio de ideas y experiencias relacionadas con todos los aspectos relacionados con este mundo, como son las vinculadas a la creación artística en la , educación social, educación especial, educación artística intercultural y arte terapia. Este blog se podrán encontrar textos, actividades, adaptaciones curriculares, etc, que facilitarán la labor del docente.